Per Voce Creativa: Intervista a Federica Gonnelli

Per Voce Creativa

“PER VOCE CREATIVA” è un ciclo di interviste riservate – e dedicate – alle donne del panorama artistico italiano contemporaneo. Per questa occasione Giovanna Lacedra incontra Federica Gonnelli  (Firenze,1981):

Il passato, la memoria. Il sentimento. Fuggevolissimi frammenti di vita da trattenere, da arrestare, da sublimare, da tramutare in opera. Valicando i naturali confini tra i linguaggi visivi. Andando verso la contaminazione. Universalizzando esperienze personali. Dando forma alle suggestioni. Dal disegno al velo d’organza, dall’installazione al video. Tutto può essere narrazione. Come un moderno Leonardo, Federica prova, sperimenta, mescola e ricerca. In un’azione creativa sempre sospesa tra lo studio e lo stupore.

Federica Gonnelli vive e crea tra Firenze e Prato. Questa è la sua voce creativa per voi….

G.: Chi sei tu? La donna, l’animale, l’artista…

F.: Sono sicuramente l’artista. Mi identifico totalmente e in modo viscerale in tutto quello che creo. Ed è proprio questa visceralità, talvolta molto forte, che mi porta spesso a essere anche un animale. Considerando i miei progetti passati e futuri, se dovessi scegliere un animale sarei sicuramente un baco da seta!

Federica Gonnelli | Autoritratto 1

Federica Gonnelli | Autoritratto 1

G.: E se non fossi un’artista?

F.: È difficile dirlo, se non fossi un’artista non sarei io. Se non fossi un’artista significherebbe che mi sarei fermata prima, a uno degli scalini precedenti del mio percorso di crescita personale e creativo. Mi sarei potuta fermare allo scalino nel quale volevo fare la stilista, oppure in quello in cui volevo fare l’architetto o la designer o infine sullo scalino nel quale volevo studiare e poi insegnare storia dell’arte. Ho sentito fin da piccolissima la necessità di creare, progettare, fare, amare l’arte. Sono nata a Firenze nel 1981, città d’arte e di moda. Sono cresciuta vicino a Prato, città del tessile, nella stanza di lavoro di mia mamma: tra stoffe, scatoline di cartone, fili colorati, manichini, carte, abiti, matite, grucce e quant’altro concorre alla realizzazione di un abito o di un’opera d’arte. Elementi che nella mia giocosa creatività di bambina ho indifferentemente, sempre mescolato. Elementi inscindibili, che per me avevano un’unica base: il disegno. Per questo, il desiderio espresso durante lo spegnimento delle candeline del mio quinto compleanno, fu esattamente: “voglio saper disegnare”! Ho sempre pensato che il disegno è la base per ogni progetto, per ogni creazione in ogni ambito del fare umano, il disegno è la traccia, la radice dalla quale si sviluppa tutto. Se da piccola il mio obiettivo era “creare abiti”, crescendo e scegliendo il Liceo Artistico e successivamente l’Accademia di Belle Arti di Firenze, il mio obiettivo è stato creare, creare indistintamente, “creare”. Scegliendo di fermarmi sullo scalino dell’artista, sono riuscita a unificare gli scalini precedenti in un unico scalino. Essere un’artista mi permette di sperimentare sul corpo come farebbe uno stilista, nello spazio come un architetto, sull’oggetto come un designer, sui percorsi dell’arte come uno storico. Quello dell’artista non è un mestiere uguale agli altri, questo non perché è migliore o al di sopra degli altri mestieri, ma solo perché non è un mestiere, anche se le opere si definiscono lavori, anche se come in altri “mestieri” appunto, l’artista impiega la sua mente e le sue mani. Per la precisione credo che ci siano molti “mestieri” definiti genericamente così, ma che in realtà sono vere e proprie scelte di vita: come il “mestiere” dell’artista.

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G.: Perché lo fai?

F.: Lo faccio perché mi piace, mi fa stare bene e mi rende felice anche quando non mi piace niente di quello che mi circonda, sto male e sono triste. Lo faccio perché mi permette di condividere tutte queste emozioni con chi mi circonda, con chi vive l’opera, in una sorta di catarsi collettiva.

G.: La tua ricerca si avvale di una contaminazione di linguaggi: pittura, scultura, fotografia. Mi racconti da dove sei partita e come ci sei arrivata?

F.: Già dal racconto del mio percorso personale e artistico, credo che appaia chiaramente la mia insofferenza verso le classificazioni, le distinzioni e le categorie chiuse. Confesso di non sentirmi pienamente parte di alcun compartimento. La mia ricerca, ma credo che valga per la ricerca in genere, è volta al superamento dei confini, qualsiasi essi siano, che relegano in compartimenti stagni le varie arti così come i confini che dividono gli individui. Mi piace pensare di sorpassare in qualche modo con la mia ricerca, sempre al limite tra bidimensionalità e tridimensionalità, la diatriba tra Michelangelo e Leonardo su quale delle arti tra pittura o scultura fosse più alta. La piena consapevolezza di tutto ciò è avvenuta con il passaggio all’Accademia di Belle Arti, dopo un anno di durissima ricerca, ho capito che non dovevo ignorare le mie sperimentazioni di bambina e anzi, le dovevo riscoprire. L’esperienza di confronto con l’arte è avvenuta fin da molto piccola nelle chiesette della campagna toscana più o meno note, tra le architetture rinascimentali e quelle contemporanee di Michelucci, tra scrigni di preziosi tesori, durante le passeggiate a Firenze con la mia famiglia, nel vedere nascere il Centro per l’Arte Contemporanea Luigi Pecci progettato da Gamberini. In particolare di quegli anni ricordo due mostre: la Fondazione Nasher nel 1988 al Forte Belvedere e Klimt a Palazzo Strozzi nel 1991. Due mostre che per me furono di grande suggestione. Ricordo le grandi emozioni all’interno del Museo degli Uffizi di fronte al susseguirsi delle opere di Giotto, Cimabue, Masaccio, Piero della Francesca, Pontormo… fino ad arrivare a Bronzino, Leonardo Michelangelo, Caravaggio… Da tutte queste esperienze ho ereditato l’amore per le proporzioni; per la figura umana; per il corpo; per la maestosità della presenza, fiera e ieratica; ho ereditato l’attenzione alla spazialità; la ricerca dei significati e dei simboli. Grande importanza ha avuto per me negli anni successivi lo studio di artisti come Brancusi, Duchamp, Oppenhein, Beuys, Bourgeois, Manzoni, Fontana, Kahlo, Lai, Paolini, Hesse, Pane… Artisti dai quali ho capito che il gioco è importante quanto la coerenza. Perché la coerenza dell’artista è prima di tutto dentro se stesso, nella sua vita, nel suo percorso e di conseguenza successivamente in ogni sua opera, ma al tempo stesso occorre a ogni opera sapersi mettere in gioco. Ho capito che la razionalità è importante quanto il sogno, ho capito che ogni elemento dell’opera ha un suo perché, ho capito che i limiti si superano, ma occorre sapersi fermare. Ho capito ancora una volta che non ci sono distinzioni tra le arti. A un certo punto della mia ricerca artistica, nel 2001, dopo aver sovrapposto: velature di colori, carte, elementi vegetali e fili sulla tela ho sentito il bisogno di avere più profondità, ho sentito il bisogno di dare più spazio e respiro alle stratificazioni che componevano le mie opere. Ho deciso di sfruttare lo spessore del telaio, applicando sul retro un pannello di legno e trasformandolo in una sorta di scatola, all’interno della quale avevo lo spazio necessario per porre i vari elementi. Piccole sculture biomorfe o antropomorfe di terracotta o altri materiali; vetri, specchi, fibre naturali e sintetiche; oggetti semplici elevati a bene prezioso, a reliquia. Rivestendo infine la composizione con un velo d’organza, grazie alla cui trasparenza posso soprapporre immagini ad altre immagini. Sul velo d’organza appaiono immagini e figure che si sovrappongono e instaurano un dialogo con ciò che si trova oltre il velo stesso. La consapevolezza del superamento dei compartimenti nella mia ricerca si è ulteriormente rafforzata con l’utilizzo del video. Le nuove tecnologie in generale elidono ogni tipo di distinzione nella società e nell’arte, proponendo nuovi rapporti sociali e nuovi supporti artistici, al di sopra delle costrizioni precedenti e dei compartimenti usuali. Questo sviluppo tecnologico è assolutamente positivo, l’importante è che l’uomo – l’artista – non ne venga totalmente soggiogato e che non perda la capacità di aggirare gli ostacoli posti talvolta dalla stessa tecnologia. Ciò non significa abolire disegno, pittura e scultura, anzi, quest’ultime sono le basi conoscitive che unite alla tecnologia, offrono vere e proprie espansioni per l’opera e per l’artista stesso. Attraverso le ibridazioni si amplia il respiro dell’arte. Un respiro tanto ampio quanto quello rinascimentale, basta pensare a un grande artista come Leonardo da Vinci, sperimentatore, ricercatore, inventore. Oggi Leonardo avrebbe coniugato il disegno al video o alla tv, la realtà virtuale con la pittura, le installazioni con le fantastiche macchine leonardiane, i suoi testi scritti con le performance e le proiezioni con gli affreschi e le pitture murali. Assolutamente, andando oltre ogni distinzione tra i mezzi artistici. Il video e di conseguenza le video installazioni e tutte le ibridazioni con le altre discipline artistiche, che ne derivano, sfuggono a qualsiasi tentativo di classificazione e di riconduzione ad uno dei generi tradizionali delle arti visive, diventando emblemi della caduta di ogni compartimento stagno.

Federica Gonnelli | Autoritratti 2

Federica Gonnelli | Autoritratti 2

G.: Quale credi sia il compito di una donna-artista, oggi?

F.: Credo che non debba esistere un’arte di genere, un’arte femminile. L’arte non ha genere, non ha sesso, ma è superfluo dire che ancora oggi esiste spesso un gap tra artista donna e artista uomo e più in generale un gap tra donna e uomo nel mondo dell’arte. Questo gap può essere colmato se la donna non si trincera dietro un’arte di genere e al tempo stesso se non azzera o appiattisce la sua personalità artistica per “assomigliare” allo stereotipo dell’uomo artista. Credo fortemente che l’emancipazione della donna non passi attraverso l’assunzione o la copia delle caratteristiche dell’uomo. Tanto meno delle peggiori caratteristiche dell’uomo. Faccio spesso un esempio in proposito, un esempio molto forte: l’emancipazione della donna non può passare attraverso la donna kamikaze. La forza di un’artista e di una donna sta nell’essere se stessa, la forza di un artista e di un uomo sta nell’essere se stesso. Le differenze sono minime, un apostrofo e una vocale, ma sono solo una questione di grammatica italiana. Entrambi devono parlare, comunicare, esprimersi e farsi capire con la propria voce. Credo che il compito dell’artista donna non sia diverso da quello di un artista uomo. Il compito degli artisti è proporre agli osservatori, attraverso le proprie opere dei dispositivi attraverso i quali vedere il mondo che ci circonda. Talvolta ingrandito come attraverso una lente o alterato come attraverso uno specchio deformante. Talvolta il dispositivo serve per dare risposte o talvolta il dispositivo serve a fare scaturire domande.

G.: Quali sono le tematiche della tua ricerca e quanto c’è di autobiografico?

F.: Fin dall’inizio ho sviluppato una profonda ricerca sul rapporto contenuto-contenitore, che si snoda intorno al rapporto tra opera d’arte e corpo e tra corpo e natura/spazio, rafforzata dalla spiccata tridimensionalità delle mie opere. Determinante per lo sviluppo di questa ricerca è stato l’inserimento del velo, che non deve assolutamente essere considerato come un mero supporto, ma come un determinante mezzo espressivo che concorre nel significato dell’opera. Il velo d’organza è un abito, una pelle, una protezione, un confine sottilissimo, una membrana osmotica che mette in comunicazione le varie parti. Il velo d’organza è un abito per un’opera d’arte-corpo. Il velo è quindi l’abito che veste questo corpo e che gli dona una voce, un’apparenza, un’identità sempre diversa, attraverso le immagini che su di esso sono realizzate, Un velo che ogni volta mostra, racconta qualcosa di diverso, ma che allo stesso tempo impone uno slancio agli osservatori che vogliono scoprire cosa vi si cela dietro. Il telaio in questo percorso si è evoluto diventando un corpo, un corpo che muta nella forma, ma che resta sempre tale, un corpo che contiene al suo interno qualcosa. L’organza si adatta ai contenitori di legno delle opere tridimensionali come un abito sul corpo, assumendone le stesse caratteristiche. Contemporaneamente questa ricerca di spazio mi ha portato ad ampliare i miei progetti e ad affiancare alla realizzazione delle opere tridimensionali: performance, suoni, video proiezioni, installazioni e videoinstallazioni. Nel mio percorso il video mi ha permesso di superare il concetto di contenitore reale presente nella mia opera, acquisendo un contenitore virtuale (il video stesso), nel quale le immagini scorrono fluide, elastiche, pulsanti, vitali, leggere e semitrasparenti mantenendo così gli aspetti più tipici del mio lavoro. In questa dialettica tra contenitore-contenuto, velo-opera d’arte, abito-corpo si inserisce il tema della presenza-assenza del corpo stesso. Molto spesso questa presenza corporea è costituita dalla mia presenza stessa. Non è una questione di egocentrismo, ma è il frutto della scelta dello strumento che mi è più accessibile e che conosco di più: il mio corpo. In questi casi il mio corpo diventa un corpo generale nel quale può riconoscersi anche lo spettatore. Concludendo, di là dall’uso della mia immagine, tutto nella mia ricerca è autobiografico, non fosse altro perché ogni esperienza vissuta è filtrata attraverso la mia sensibilità. È un’affermazione comune dire che in ogni ritratto eseguito da un artista è insito il suo autoritratto. Vissuto, memoria familiare, habitat e sentimenti implicano che mi debba necessariamente mettere in gioco, prima esternando i miei sentimenti e successivamente, molto spesso, esponendomi in prima persona come soggetto dell’opera. Il dato biografico e intimo permette l’analisi generale del tema. Queste tematiche hanno avuto per me una tale importanza che al rapporto tra arte e abito (e quindi tra opera d’arte e corpo) ho voluto dedicare nel 2006, la mia tesi di diploma a conclusione del quadriennio in Accademia, tesi che ha ri-cucito due parti di me per troppo tempo disgiunte, scucite. Nel 2013, terminato il Biennio di Specializzazione in Arti Visive e Linguaggi Multimediali, ho cucito con ancora più forza opera d’arte e corpo nella tesi “Videoinstallazioni tra Corpo SpazioTempo”.

G.: Come nasce un tuo lavoro?

F.: Le mie opere nascono da fulminee suggestioni: un’immagine, una sensazione, un sogno, una parola o un titolo. Queste suggestioni possono scaturire da qualsiasi cosa in qualsiasi momento. Per questo porto sempre con me una vecchia agenda nella quale appunto tutto attraverso bozzetti e descrizioni. Per me è essenziale congelare ogni più piccolo dettaglio della suggestione, perché anche se spesso queste suggestioni si trasformano subito in progetti, opere, installazioni o video, altre volte accade che possano passare degli anni prima che la suggestione si trasformi in un progetto concreto. Questo perché sento fortemente la relazione tra l’opera e lo spazio in cui l’espongo e quindi ogni opera vede la luce nel momento in cui ho capito di aver trovato il luogo giusto e tempo giusto per presentarla. Per quanto riguarda la realizzazione materiale, cerco il più possibile di occuparmi in prima persona della lavorazione e dell’assemblaggio di ogni pezzo: dal taglio del legno, alla preparazione dei veli, all’allestimento dei set per le foto e i video, al montaggio di questi ultimi. Tutto passa per le mie mani. È una scelta molto impegnativa dal punto di vista fisico e del tempo di realizzazione, ma è una scelta che mi permette di essere dentro ogni mia singola opera, di poterne osservare da vicino i meccanismi, per migliorarne gli aspetti e risolvere eventuali problemi, una possibilità da non sottovalutare in particolar modo nelle installazioni.

Federica Gonnelli in studio

Federica Gonnelli presso il suo studio InCUBOazione

G.: Ad ispirarti, influenzarti, illuminarti ci sono o ci sono state letture particolari?

F.: In casa ho libri dappertutto: dentro l’armadio, sotto il letto, chiusi nella cassapanca, stipati nelle credenze… perché ormai le mensole delle librerie sono stracolme e qualcuna si è piegata perfino sotto il peso di tanta carta. Perché lo devo ammettere, sono feticista: amo il libro, oggetto reale. Amo le storie in esso contenute. Amo i grandi tomi, i libri con un corpo sostanzioso nel quale immergermi completamente, sognare, immaginare, ricreare e finita la lettura voglio sentirmi ancora affamata. Amo l’odore della carta, il fruscio delle pagine. Amo possedere i libri. Non mi pento mai dell’acquisto di un libro nuovo preso dallo scaffale della libreria preferita, scovato sul banco del mercatino dell’antiquariato o salvato accanto al cassonetto della carta! Primo libro amato: “Novelle fatte a macchina”di Rodari, poi in ordine sparso “La Storia Infinita” di Ende, “Casa di Bambola” di Ibsen, “La Storia”di Elsa Morante, “Le Metamorfosi” di Ovidio, “Casa, Amori, Universi” di Maraini, “Alla Ricerca del Tempo Perduto”di Marcel Proust, “Il rosso e il Nero” di Stendhal, “Le Affinità Elettive” di Goethe, “Il Pranzo di Babette” di Blixen, “Ulisse” di Joyce, “Morte a Venezia” di Mann, “Libro dell’Inquietudine” di Pessoa, fino all’ultimo libro letto “L’Arte della Gioia” di Sapienza… per l’ultimo libro letto nutro sempre un sentimento particolare, un affetto, una voglia di trattenerlo e non lasciarlo andare via… come dopo una lunga chiacchierata con l’amica che da tempo non sentivamo… La lista potrebbe essere ancora più lunga, più rifletto e più mi tornano in mente titoli significativi. Ogni lettura arricchisce, ogni lettura comporta un cambiamento. Diffido dei best sellers contemporanei, preferisco le letture storicizzate. Sono effettivamente molto vintage!

G.: Che musica ascolti quando hai le mani in pasta al tuo lavoro?

F.: Di solito ascolto la radio, sempre la stessa emittente: Controradio, da più di 15 anni, che sostengo anche come socia. È una radio fiorentina, che fa parte di Popolare Network. Mi piace perché alterna ottima musica, spesso indipendente, mai commerciale, all’informazione e alla cultura. In particolare le mie preferenze si muovono dalla musica classica e lirica, adoro Mozart e Puccini; al rock dei grandi gruppi del passato come The Doors; alla canzone d’autore italiana e non, al folk rock delle canzoni di protesta, ho amato fin da piccola De André, passando attraverso il Brit Pop di Oasis e Blur, arrivando agli italiani Baustelle, Gatti Mézzi, Offlaga Disco Pax, Bobo Rondelli e Modena City Ramblers.

G.: Scegli 3 delle tue opere per raccontarmi il tuo lavoro:

“Resistenza” 2014

RESISTENZA assemblaggio di materiali vari 70x100x5 cm ciascuno 2014 (2)

RESISTENZA – assemblaggio di materiali vari – cm70x100x5 ciascuno – 2014.

 

F.: La serie di opere che costituisce il progetto “Resistenza” è ambientata nel Lanificio Cocchi, dove ha lavorato mio padre fin da giovanissimo e per i successivi venti anni. La fabbrica ormai chiusa da trenta anni è come fossilizzata. Il luogo e di conseguenza le persone a esso legate sembrano tentare di resistere, cercare di restare fedeli a se stesse, inamovibili; nonostante lo scorrere deleterio del tempo, l’azione degli agenti atmosferici e la condizione di abbandono, riuscendoci, dato che sullo stabilimento non è stato effettuato alcun intervento. Il tema biografico come già accennato, implica ancora che mi esponga in prima persona, nei panni di una delle tante donne (ma anche uomini) che nella fabbrica hanno lavorato: completamente vestita di bianco e intenta alacremente nella lavorazione della mia opera. Le opere della serie “Resistenza” riportano la figura umana all’interno dello spazio di lavoro, ormai abbandonato, grazie alla sovrapposizione della mia immagine stampata su organza all’immagine sottostante dell’ambiente stampata su stoffa. Le opere portano all’interno del “luogo espositivo” il “luogo del lavoro”, sia esso il luogo di lavoro per la creazione di un tessuto di lana o di un’opera d’arte. Le mie opere offrono sempre una stratificazione di interpretazioni che, di volta in volta, privilegiano diverse componenti costitutive. Si può esaminare un’opera dal punto di vista dei simboli e dei significati, dei materiali utilizzati, soprattutto tessuti e organza, ma anche dal punto di vista dell’immagine, o del rapporto tra questa e linguaggio. Ogni percorso interpretativo finisce per supporne un altro, così che non possa mai dirsi completamente esaurita la lettura.

“Louise & Herbert” 2013

LOUISE & HERBERT - videoinstallazione - misure d'ambiente - 2013

LOUISE & HERBERT – videoinstallazione – misure d’ambiente – 2013

F.: La videoinstallazione “Louise & Herbert” compie un ulteriore passo avanti rispetto i miei progetti precedenti, sia concettualmente sia tecnicamente. Alla razionalità delle composizioni oggi si aggiunge l’irrazionalità, l’imprevisto, l’indeterminatezza, la precarietà della vita; grazie ai piani inclinati creati dai veli. La struttura cubica rivestita dai veli rappresenta simbolicamente la casa, l’alcova, il luogo d’amore della coppia evocata nel titolo, il bianco rimanda alla purezza del sentimento mentre il rosso fa riferimento alla passione e allo stesso tempo al dolore, il rosa è un’ulteriore sfaccettatura tra i vari sentimenti possibili. I veli inclinati all’interno della struttura creano una croce, due sentieri che si incrociano, che rappresentano l’incontro di Louise e Herbert e allo stesso tempo il loro lasciarsi, di nuovo la croce e quindi la morte. Infatti, al centro dell’installazione troviamo le rovine dell’amore, come ci comunica Louise: un amore torturato, avvelenato, accecato, mutato in odio. Un sostegno nero dal quale è caduta l’anima ritrovandosi per terra tra viticci vegetali e fiori essiccati di clematide trasformata in mortale edera nera. Le otto vele rosse che compongono la croce rimandano agli otto anni del loro fidanzamento evocati da Louise, otto vele che rimandano alle stelle evocate come corrispondenti ai loro cuori da Herbert. Otto veli che sommati agli altri veli rimandano ai petali di un fiore, intriso di quel profumo di cui Louise avrebbe voluto che la sua vita fosse pervasa. “Louise & Herbert” è un’opera estremamente effimera e precaria come le vite, in particolare di questi due protagonisti dell’“Antologia di Spoon River” di Edgar Lee Masters. Nell’Antologia i protagonisti delle poesie appaiono così palpitanti, vivi per assurdo, nella loro diafana entità di trapassati, di pure parvenze. Presenze effimere, eteree, leggere come le presenze raccontate di volta in volta sui miei veli, come la serie di volti in continuo mutamento, proiettata sull’installazione: uomini, donne, Herbert, Louise, volti conosciuti e sconosciuti, il mio volto, i volti degli altri. In questo volto uomo-donna in continuo mutamento si rinnova nell’attimo eterno del video l’incontro-scontro dei due protagonisti, che trovano l’identificazione, nonostante tutto, nell’essere sommati l’uno all’altra, nell’essere per sempre insieme. Questa profonda identificazione, che avviene sempre per strati, comporta delle letture su più livelli. In Louise è possibile riconoscere Frida Kahlo, e in Herbert il mio nonno materno: Goretto. Ho scelto di inserire dei frammenti di questi volti per rappresentare i due protagonisti delle poesie, per raccontare una storia parallela a quella narrata nell’Antologia: nonno-Herbert lascia Louise-Frida che simbolicamente rappresenta l’arte. Come Herbert, Goretto sceglie un futuro più sicuro, più certo, forse meno emozionante, ma sincero. Ho molto a cuore questa videoinstallazione, non solo per le forti implicazioni biografiche.  Sento una comunanza profonda tra l’Antologia e la mia ricerca artistica, dovuta principalmente alla volontà comune di salvare e preservare il ricordo o il frammento di vita, da una possibile perdita. Inoltre i personaggi dell’Antologia sono parte della mia vita fin da quando ero piccola: prima ancora di poter leggere le poesie di Masters, conoscevo ogni anima di Spoon River grazie alle canzoni di De André.

“Guest/Ghost” 2012-13

GUEST-GHOST - assemblaggio - cm32x28x10  ciascuno  - 2012\13.

GUEST-GHOST – assemblaggio – cm32x28x10 ciascuno – 2012\13.

F.: L’opera “Guest/Ghost – Insostenibile/Leggerezza & Insormontabile/Tenuità” che ha origine dall’installazione “Effimeri Parati” realizzata nell’ottobre 2011 a Casa Vasari, a Firenze, in occasione della mostra celebrativa dei 500 anni dalla nascita del maestro, ne diviene oggi una protesi, un’inestimabile reliquia. Un tema, come ho già detto, a me molto caro, che oggi nella mia ricerca si carica di un nuovo significato ancor più legato al mio percorso e all’impossibilità di ricreare nella stessa forma e allo stesso modo un’installazione site specific come quella realizzata appunto per le commemorazioni vasariane. L’installazione traeva spunto da alcune esperienze artistiche e vicende umane di Giorgio Vasari, in particolar modo dalla progettazione e realizzazione di eventi e scenografie spettacolari in occasione di visite in città di papi, imperatori o di importanti nozze: opere bellissime, ma del tutto effimere, molto richieste in quegli anni allo stesso Vasari e ai suoi contemporanei. Questo stralcio di storia dell’arte è il pretesto per riflettere sull’effimero, sulla labilità, sull’apparenza ed estrema fugacità dell’arte, della vita e della società anche contemporanea, caratteristiche che lette e viste dai nostri occhi oggi, rendono quella prima metà del ‘500 molto familiare. Nasce così “Guest/Ghost – Insostenibile/Leggerezza & Insormontabile/Tenuità” nella quale, qualcosa di estremamente effimero come la luce e il tempo è ora stampato sull’organza e sulla carta, amplificato grazie alla sovrapposizione in trasparenza dei due materiali, moltiplicando il giglio ad origami o la figura femminile. Opera dove, come in un cerchio che si chiude la luce contenuta all’interno dell’opera torna a dare voce e a rendere visibile un’entità che altrimenti sarebbe rimasta sconosciuta. In tutte le mie opere che sfruttano l’elemento luminoso il passaggio da spento ad acceso segna un cambiamento: l’accensione della luce svela qualcosa, mostra, traccia segni, dona la parola o nuovi significati, rimarcando ancora quella labilità, incertezza e senso di effimero della società e dell’arte.

G.: L’opera d’arte che ti fa dire: “questa avrei davvero voluto realizzarla io!”?

Non ho mai desiderato realizzare l’opera di un altro artista. Invece mi è capitato spesso di pensare di fronte ad un’opera di un altro artista cosa avrei realizzato io al suo posto, come l’avrei realizzato se mi fossi trovata nella stessa situazione, nella necessità di affrontare un determinato tema o problematica.

G.:  Un o una artista che non ti ha mai emozionato:

F.: Non posso fare nomi e anche se potessi non ne vorrei fare. Se un’artista non mi emoziona… lo dimentico. Trattengo nella mente solo ciò che mi emoziona. Posso dire ciò che di solito non mi emoziona… non mi emozionano gli artisti che urlano, gli artisti che cavalcano lo scandalo, lo scalpore, il clamore a tutti i costi, non mi emozionano gli artisti che copiano o copiano se stessi all’infinito.

G.: Un o una artista che avresti voluto esser tu:

F.: Allo stesso modo, come non ho mai desiderato realizzare l’opera di un altro artista, non ho mai desiderato essere qualcun altro. Prendo molto seriamente questa domanda, perché la mia generazione è cresciuta con “l’incubo” generato da certi film degli anni ’80 dove bastava appena desiderare di essere qualcun altro che c’era il rischio la mattina seguente di svegliarsi nei panni della persona in questione! Ironia a parte, credo che sia molto pericoloso desiderare di essere un’altra persona, significa che le proprie certezze sono minate, significa che c’è il rischio di crollare. Ci sono molti aspetti da valutare. Mi verrebbe da usare un bel modo di dire… “non è tutto oro quel che luccica” dietro ogni carriera artistica, dietro ogni bella carriera si possono nascondere infinite problematiche risolte o meno… quindi non è meglio tenersi i propri problemi, le proprie risoluzioni, i propri dubbi, le proprie certezze e fare del proprio meglio nel personale, unico, irripetibile percorso artistico? Mai vivere di “se” o “ma”… Ma se proprio dovessi essere un altro o un’altra artista vorrei essere…

Federica Gonnelli presso lo studio InCUBOAzione

Federica Gonnelli presso il suo studio InCUBOAzione

G.: In quale altro ambito sfoderi la tua creatività?

F.: Sfodero la mia creatività in vari ambiti, riconducibili in linea di massima alle mie passioni arte-moda-design, rielaboro e creo per me: oggetti, abiti, gioielli. Ma c’è un ambito del quale fino ad ora non ho parlato ed è la mia passione per la cucina. In cucina applico lo stesso metodo e mi muovo allo stesso modo che nella mia ricerca artistica: sperimentando contaminazioni, sovrapposizioni e sapori. Prestando attenzione a forme, colori, consistenze e emozioni. Mi piace rielaborare le ricette tradizionali in chiave contemporanea, più leggera e con pochi grassi. Mi piacerebbe un giorno far convogliare tutte queste passioni in un unico straordinario evento.

G.: Work in progress e progetti per il futuro:

F.: Il 19 ottobre scorso è stata una data storica nel mio percorso creativo: finalmente è arrivato presso il mio studio “InCUBOAzione”, che ho inaugurato nel 2011, il torchio calcografico tanto sognato. Grazie all’amico restauratore Stefano, di Campi Bisenzio, che 40 anni fa l’ha costruito ex-novo insieme ad altri studenti dell’Accademia di Belle Arti, sotto l’attenta supervisione del Professore Domenico Viggiano, lo stesso professore con il quale anche io ho seguito i corsi di incisione in Accademia. Dopo mille traversie, un’alluvione e un lungo riposo il torchio è arrivato al mio studio. Adesso non mi resta che terminare i lavori di riorganizzazione dello spazio apposito che l’ospiterà e testarne la pressione per iniziare a sperimentare di nuovo con carta, fondini ed inchiostro. Spero di riuscire a presentare in autunno il progetto “InCUNAboli” che raccoglierà le nuove opere grafiche. Nel frattempo sto ultimando i preparativi per due progetti che mi vedranno impegnata in estate, entrambi mi metteranno in stretto contatto con la natura, quindi dovrò assolutamente potenziare la mia parte animale e soprattutto dovrò “risvegliare il baco da seta” che ho in me. Il primo progetto è la realizzazione di un’installazione site-specific in un bosco per un simposio all’Abetone. Il secondo progetto è la mostra personale “Corrispondenze di Sensi/o” curata da Barbara Cianelli direttore del museo MuSA, a San Giorgio di Pesaro, che farà parte degli eventi della Biennale Arteinsime 2015 – Cultura e culture senza barriere, un tema, questo dell’accessibilità e fruizione dell’arte per tutti che mi sta molto a cuore. La mostra proporrà una serie di opere, installazioni e videoinstallazioni con l’obiettivo di permettere un’esperienza emozionale totale alla portata di tutti, al di là da differenze di età, conoscenze o capacità motorie e sensoriali. Ogni opera sarà inserita in modo tale da permetterne la completa esperienza a ogni visitatore. Oltre a stimolare la vista attraverso le immagini, le opere in mostra solleciteranno anche gli altri sensi: l’udito grazie ai suoni, alcuni dei quali registrati negli ambienti esterni e interni del MuSA, l’olfatto attraverso la diffusione degli aromi tipici della zona e infine il tatto grazie ai calchi in gesso alabastrino posti sui piedistalli, degli oggetti legati in qualche modo alla storia, architettonica o naturale e all’attualità del luogo.

G.: Il tuo motto in una citazione che ti sta a cuore

F.: “…sono una grande artista, mesdames… non sarò mai povera. Ho detto che sono una grande artista. Un grande artista non è mai povero. Abbiamo qualcosa di cui gli altri non sanno nulla…” è un brano a cui tengo molto, tratto da “Il pranzo di Babette” di Karen Blixen, un libro che per me è stato fonte di ispirazione per una proficua serie di progetti dedicati al rapporto tra arte e cibo, sviluppati nell’arco di quasi 15 anni di percorso artistico. Forse a un primo impatto può sembrare una frase molto presuntuosa, ma ad una lettura attenta racchiude una verità profonda sull’essere artista, sulla forza creatrice che ci pervade, su quella ricchezza non quantificabile di cui siamo colmi e su quella radice sensibile e antica che custodiamo gelosi e che nessuno può toccare o tanto meno copiare.

Per approfondire:

http://www.federicagonnelli.it

 

Per Voce Creativa: Intervista ad Alessandra Baldoni

Per Voce Creativa

“PER VOCE CREATIVA” è un ciclo di interviste riservate – e dedicate – alle donne del panorama artistico italiano contemporaneo. Per questa occasione, Giovanna Lacedra incontra Alessandra Baldoni (Perugia, 1976) :

E’ nata il 6 maggio 1976 sotto il segno del toro, ed ha presto intrapreso uno dei viaggi più magici e faticosi che si possano scegliere: quello dentro di se stessa. Lo ha fatto attraverso la penna e l’obiettivo fotografico; vecchi album di famiglia e indimenticabili pagine di letteratura al femminile.

Fotografia e poesia sono diventate il suo linguaggio. La sonda con cui attraversa l’universo e scaglia l’indicibile, tra luci silenti e ombre di pece. La bellezza, però, vince sempre.  La bellezza è nella vita che trionfa – che cola dalla piaga – oltre le ombre. Anche quando “germoglia dalla ferita”.

La sua ricerca sta tutta nel saper perdere e ritrovare le tracce dell’inafferrabile: quello di un’immagine senza tempo o di una poesia precipitata sul foglio, dall’eternità.

Alessandra Baldoni ha una semplice urgenza: raccontare lo splendore riassumendolo in un’immagine. A suggerirle la visione sono sovente  versi di autrici come Amelia Rosselli, Antonia Pozzi,Virginia Woolf, Ingeborg Bachmann… oppure i suoi. Perchè Alessandra, prima di tutto scrive.

Lo scatto non è che l’arrivo. È l’approdo di un viaggio minuziosamente raccontato in appunti, annotazioni, progetti. E i luoghi che scandaglia, le stanze che attraversa, i boschi che setaccia e i laghi che capovolge, sono tutti sulla mappa della sua anima.

“Ho il mio mondo dentro

e la verità è uno spiraglio

per ricongiungere cielo e terra

ma deve passare di quà

dentro il mio ventre

dove sopito giace

il suono del tuo nome “

[Alessandra Baldoni  | MA.Rea | 1999]

 

Laureata in filosofia, sente, legge, fotografa e ama tra Roma e le sue amate sponde del lago Trasimeno.

Questa è la Voce Creativa di Alessandra, per voi:

G.: Chi sei tu? La donna, l’animale, l’artista…

 A.:  Sono l’animale che cerca una tana per la notte, che respira bosco dalla narici – sono la fedeltà immediata alla terra. Sono la donna che ama, che siede sulle rovine e pensa come raccontare lo splendore. Sono l’artista che naviga a vista nel destino ma con il nord inciso sulla pelle per non perdere mai le mie stelle anche nel buio di pece delle difficoltà.

Giovanna_Lacedra_Alessandra-Baldoni

Alessandra Baldoni

 

A.:  Sin da bambina non ho avuto altro desiderio se non quello di essere un’artista. Non so neppure se posso parlare di scelta – almeno all’inizio. Era scritto nelle cavità delle ossa, viaggiava come messaggio luminoso nel mio sistema nervoso. La scelta è nella coerenza e la perseveranza, nell’andare avanti nonostante tutto. La scelta è sapere che la bellezza germoglia dalla ferita.

G.: Perché lo fai?

A.:  Perché non potrei essere altrimenti né fare altro. Perché credo che l’arte sia strumento per la crescita, credo abbia il potere salvifico di mostrarci le cose in modo diverso. Perché l’arte si ferma e racconta ciò che perdiamo, ciò che lasciamo indietro… ci porta ad ascoltare le voci minori, a fare spazio, a correre il rischio di indagare realmente chi siamo. (Ma se proprio devo pensare a qualcosa d’altro … direi l’illusionista, perché amo vedere lo stupore negli occhi).

G.: Perché la fotografia?

Alessandra Baldoni - C'er un volto - stampa fotografica da negativo, dibond cm 50x60 - 2005

Alessandra Baldoni | “Le mie parole sono Balocchi” dalla serie “C’era un volto” – stampa fotografica da negativo, dibond cm 50×60 – 2005

A.:  Un po’per caso (mio padre che a otto anni mi regala la mia prima “compattina”, una Olympus e da lì non ho mai smesso di fare foto) e un po’per necessità personale. Ho sempre amato la fotografia, i vecchi album di famiglia, le immagini in bianco e nero di nonni e antenati di cui a me arrivava si e no solo il ricordo del nome. Da piccola stavo ore ad inventarmi storie su quei volti sbiaditi. La fotografia ferma solo un istante – uno solo – e non svela mai tutto. Intorno ad una foto si può immaginare, si può scrivere, supporre, indagare. E’quella crepa nella memoria, quello strappo nel tempo dalla cui fessura nasce la bellezza.

G.: Quale credi sia il compito di una donna-artista, oggi?

A.: Credo sia quella di raccontare l’altra metà del cielo e della terra, l’orizzonte capovolto – al polo opposto. Credo sia quello di essere coerente e fedele alla propria sensibilità, di mostrarci con il suo sguardo altre possibilità, altre storie, altre verità.

G.: Quali sono le tematiche della tua ricerca e quanto c’è di autobiografico?

A.: In un certo senso, ogni mia opera è assolutamente biografica. Parlo di amore, memoria, sogno, perdita, letteratura. Non potrebbe essere diversamente. Devo “sentire” ciò che racconto con le mie opere, altrimenti tutto diventerebbe maniera, esercizio di stile. Tanto più è intimo il racconto, tanto più tocca corde universali e permette un riconoscimento. Parto sempre dalle mie stanze, da me, ma poi cerco il simbolo, cerco di rappresentare storie e accadimenti con metafore visive.

G.: Come nasce un tuo lavoro (step by step) ?

A.: Prima c’è il fuoco, il sentimento di qualcosa che attira i miei occhi: l’ispirazione può arrivare da qualsiasi direzione e innesca un cortocircuito in me. All’inizio, all’origine – c’è sempre la parola. Ogni mia immagine nasce e si solleva dalla scrittura. Scrittura di altri o parole mie che spesso entrano anche a far parte del lavoro. Diciamo che stendo sulle pagine del mio diario piccole sceneggiature per uno scatto. Lavoro per serie fotografiche quindi in primo luogo c’è lo studio, la ricerca, la lettura. Poi il diario raccoglie anche idee spunti ricerche.  Preparo ogni cosa, scelgo volti, luoghi, abiti, accessori e oggetti per il mio set. Quando arrivo allo scatto ho tutto talmente inciso nella mente che paradossalmente è il momento più veloce. Arrivare a quello scatto, alla costruzione del set e della mise en scène può richiedere settimane intere. Il lavoro è pronto quando le immagini si specchiano nei titoli e nelle parole da cui sono partita e la serie è coerente nell’insieme.

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Foto in copertina: Opera di Alessandra Baldoni | “C’è come un dolore nella stanza ed è superato in parte” dalla serie “Salva con nome” – 2013.

G.: Ad ispirarti, influenzarti, illuminarti ci sono o ci sono state letture particolari?

A.: Le mie emozioni sono sempre appese al rigo della pagina. La letteratura è nutrimento, acqua di gestazione, placenta di carta che avvolge l’immagine. Sono cresciuta trae con i libri, e restano un amore incondizionato. Negli ultimi anni leggo soprattutto poesia e ho una grande passione per i racconti, perché richiedono esattezza e disciplina e non ammettono concessioni, né esitazioni. Sono i luoghi dove si sperimenta, dove le parole sono scardinate dall’abitudine che le consuma e tornano ad avere una potenza quasi esoterica. Ultimamente, una mia immagine ispirata ad Amelia Rosselli (“C’è come un dolore nella stanza ed è superato in parte”) ha avuto il privilegio di essere scelta come copertina della raccolta di racconti “E’di vetro quest’aria” della scrittrice e traduttrice Monica Pareschi. Ne sono molto fiera e credo che questa foto non avrebbe potuto sentirsi “più a casa”, al posto giusto, che sulla copertina di questo libro incredibile.

G.: Che musica ascolti quando hai le mani in pasta al tuo lavoro?

A.: Musica diversa secondo il progetto a cui sto lavorando. Molto jazz, musica classica, ma anche Tori amos, Joan as Police Woman, Mogwai, Cat Power, Antony and The Jonson…

 

G.: Scegli 3 delle tue opere, scrivimene il titolo e l’anno, e dammene una breve descrizione.

A.: “Fino a te”, dalla serie “Le cose che vedi” 2008.

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Alessandra Baldoni | “Fino a te” , dalla serie “Le cose che vedi” stampa fotografica a colori da negativo, dibond, cm 140×100  – 2008

C’è questo sentimento del perdersi, questo rischio tutto femminile del bosco. Capita spesso che le protagoniste delle mie foto siano di spalle, rivolte altrove. E’un invito a seguirle, in un certo senso a cercare il lupo insieme a loro, ad immaginarne lo sguardo intento a scoprire l’ignoto – o forse semplicemente l’inascoltato. Si trattiene il fiato – tra il timore e la meraviglia. C’è il rosso, colore che inseguo e mi insegue, e c’è il filo che cuce il destino e ricama le possibilità. C’è il mistero del chi o che cosa ci sia dall’altra parte del filo a tenerne il capo perché ogni bosco ha dietro di sé un luogo, una radice, una nostalgia che si lascia e a cui si torna cambiati. Come se il cuore oscillasse tra ciò che ci trattiene e ciò che ci fa osare.

“Anche io nasco dal fondo di un lago – colmo di pianto”, dalla serie “Salva con nome” 2013

Anche io cresco dal fondo di un lago ÔÇô colmo di pianto

Alessandra Baldoni | “Anche io cresco dal fondo di un lago-colmo di pianto, dalla serie “Salva con nome” – stampa digitale su dibond, cm 70×50 – 2013.

Un omaggio ad una delle mie poetesse preferite, Antonia Pozzi, morta suicida a 26 anni. Le sue parole mi hanno nutrito, accompagnato, ferito e guarito. Ho camminato accanto a lei sulla neve, raccolto stelle alpine con il respiro sopra il crepaccio, amato l’ombra azzurra della montagna e pronunciato poesie come fossero preghiere. Parole incantesimo, bellissime e fragili come ghiaccio sopra l’acqua, parole che possono rompersi e portare via l’anima in un vortice liquido, un fondale di dolore.

“I Need Protection”, installazione- ferro vetro fotografia poesia, 2014

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Alessandra Baldoni | “I need protection”, particolare dell’installazione, ferro vetro poesia fotografia – 2014.

L’anno scorso sono stata invitata alla “Biennale del vetro” di Sansepolcro. Mi sono trovata a lavorare con un materiale per me nuovo e a dover ripensare il mio abituale modo di procedere. Ho chiesto a 21 persone di donarmi il loro segreto-desiderio più profondo o paura impronunciabile, così che io potessi custodirle e proteggerle, togliendo loro il peso e la gravità. Ho raccontato ogni loro frase/verso con un’immagine nascosta all’interno di uno scrigno. E’nata così l’installazione “I need protection”, scrigni di ferro e vetro, archivio sentimentale. Il vetro è fragilità trasparente, amore e spina. Ha cura di cose preziose ma può nello tesso tempo rompersi e diventare lama. Il vetro taglia, lacera la pelle e ne fa ferita. Biancaneve avvelenata dorme un sonno che sembra morte in una bara di vetro. L’amore può vederla e svegliarla con il suo bacio. Il vetro mostra la bellezza,  è diaframma che separa e misura. Teche di vetro proteggono le reliquie dei santi e raccontano il martirio. Noi da fuori osserviamo il miracolo. L’adorazione è fatta di visione. “I Need Protection” è un antidoto, un luogo che accoglie e si prende cura delle parole.

G.: L’opera d’arte che ti fa dire: “questa avrei davvero voluto realizzarla io!” ?

A.: Mi succede a volte ed è sempre bellissimo. Perché è come innamorarsi, riconoscere      un’appartenenza. Mi capita con le opere di Maria Lai, di Sophie Calle, di Sabrina Mezzaqui, Marzia Migliora e in molte altre circostanze. Quando qualcosa mi commuove o mi ferisce, quando sento con lo stomaco e lo stupore mi fa tremare il cuore.

G.: Un o una artista che non ti ha mai emozionato:

A.: Diciamo che non amo l’arte fatta apposta per stupire, urlata e colorata come un luna park, l’arte che mi dice esattamente cosa provare e che non lascia spazio al mistero. Devo sentire la verità da un’opera d’arte, non mi interessa il gioco o il clamore fine a se stesso.

G.: Un o una artista che avresti voluto esser tu:

A.: Più che altro avrei voluto essere Houdini

G.: In quale altro ambito sfoderi la tua creatività?

A.:  Ovunque posso perché da ogni luogo e direzione può venire la scintilla, l’idea. E’un attitudine, un modo di indossare la vita e di camminare nello spazio.

Alessandra Baldoni

Alessandra Baldoni

G.: Work in progress e progetti per il futuro:

 A.: Prima di tutto portare a termine il lavoro Orlando in ordine sparso”, dedicato all’“Orlando”di Virginia Woolf. Ho inoltre in mente di realizzare una serie di workshop dedicati al rapporto tra fotografia e narrazione. E poi un nuovo progetto fotografico/installativo in bianco e nero ed un lavoro dedicato a Vittoria Aganoor Pompilj (poetessa vissuta sulle sponde del mio lago) e una serie di mostre personali in giro per l’Italia.

 

G.: Il tuo motto in una citazione che ti sta a cuore

A.:Preferisco il ridicolo di scrivere poesie, al ridicolo di non scriverne”  (Wislawa Szymborska)

“Se ho scritto è per pensiero/ perché ero in pensiero per vita” (Antonella Anedda)

 

Per approfondire:

http://www.alessandrabaldoni.it