Per Voce Creativa: Intervista a Elisa Rossi

“PER VOCE CREATIVA” è un ciclo di interviste riservate – e dedicate – alle donne del panorama artistico italiano contemporaneo. Per questa occasione Giovanna Lacedra incontra Elisa Rossi (Venezia, 1980):

Lei è sempre sola. Sola con se stessa. Vaga, di tela in tela, per le stanze dei suoi pensieri allo stesso modo in cui si muove negli spazi del suo appartamento. La protagonista dei dipinti iperrealisti di Elisa Rossi abita un mondo appartato. Il volto è spesso nascosto, lasciato in ombra o tagliato a metà. Il corpo viene ripreso dall’alto verso il basso o dal sottoinsù. I gesti appaiono lenti, moderati dal sovrappensiero. A volte viene ritratta nella sua toilette mentre si depila o spalma della crema sul suo corpo. Altre volte  la vedo vagare per casa, quasi nuda. Poggiarsi ad uno stipite e offrire le spalle al mio sguardo. Altre ancora, la sorprendo accovacciata sul pavimento e inondata da una luce radente. Raccoglie al petto le ginocchia e il sovrappensiero diventa riflessione. Di recente, poi, l’ho vista in piedi, tutta nascosta da un velo chiaro. Come se quel manto di semitrasparenza fosse un abbraccio di protezione, una corazza da offrire a se stessa per appartenersi ancora di più.

Il taglio della scena è sempre fotografico. Ma a volte appare casuale, figlio di un fortuito errore. La tecnica è impeccabile, la cura dei dettagli a dir poco lenticolare.

Quando guardo un’opera di Elisa Rossi rimango impressionata dalla sua bravura. Immediatamente dopo, percepisco un gran silenzio. Il silenzio di quella donna stanata nella sua intimità; il silenzio di un luogo nel quale io non sarei chiamata ad addentrarmi, ma in cui mi trovo per uno strano caso, come una sorta di inconsapevole voyeur.

Elisa Rossi vive e lavora a Montebelluna (TV). Questa è la sua Voce Creativa per voi:

G.: Chi sei tu? La donna, l’animale, l’infante, l’artista…

E.: Sono un’artista donna che segue il proprio istinto per coltivare l’arte con la creatività di un infante.

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Elisa Rossi

 

 G.: E se non fossi un’artista?

E.: Non lo so, non me lo sono mai chiesta, per me è una condizione naturale, è essere me stessa.

 G.: Perché lo fai?

E.: Seguo quanto detto sopra: mi viene naturale, spontaneo, è una cosa che mi appartiene nel profondo, non si può spiegare, sono io, la mia vita, non posso limitare la mia arte in un’unica sterile spiegazione, è una cosa che va oltre.

G.: Perché la pittura?

E.: Perché trovo sia la forma d’arte più immediata e che ha il potere di rinnovarsi continuamente.

G.: Qual è il compito di un’artista donna?

E.: Il compito di ogni artista è seguire la propria ricerca con determinazione e onestà, non farei una distinzione di genere.

G.: Quali sono le tematiche della tua ricerca e quanto c’è di autobiografico?

E.: Gran parte del mio lavoro è dedicato alla figura femminile, quale custode di un dimensione intima, proprio per questo c’e’ molto di autobiografico.

G.: Figurazione e di più: Iperrealismo. Quando e come nasce questa sfida?

E.:  Non la vedo come una sfida, ma come un mezzo per la costruzione delle immagini che voglio creare.

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Elisa Rossi in studio

G.: Come nasce un tuo lavoro?

E.: Prima di scattare la fotografia, che diventerà poi lo spunto per il dipinto, preparo una sorta di set negli angoli più improbabili della mia casa con oggetti strani, parrucche, luci assolutamente non professionali. Sono molto concentrata in questi momenti, anche perché sono una pessima fotografa. Improvviso molto, scatto e scarto molto. Tento, costruendo appositamente la scena, di catturare un’immagine che traduca il più fedelmente possibile la mia idea. Una volta individuata l’immagine, inizia la fase pittorica vera e propria. Preparo un fondo, solitamente di un colore freddo. Faccio il disegno preparatorio con un pastello non acquerellabile, e poi inizio a dipingere ad olio un primo livello, questa è una fase che richiede molto tempo. Una volta asciutto il primo strato, inizio a divertirmi con le velature. Infine, una passata leggera di vernice per uniformare.

G.: Ad ispirarti, influenzarti, illuminarti ci sono o ci sono state letture particolari? 

E.: Si certo, in particolare ”Donne che corrono coi lupi” di Clarissa Pinkola Estes e “Il codice dell’ anima” di  James Hillman.

G.: Che musica ascolti quando hai le mani in pasta al tuo lavoro?

E.: In fatto di musica ho dei gusti veramente strani, dipende dal momento. Passo da Etta James agli XX con estrema facilità! Per quanto riguarda la musica italiana, ho un affetto adolescenziale per Carmen Consoli, Afterhours e Subsonica

G.: Ah! Meravigliosa assonanza! Io come te mi sono nutrita – e continuo a nutrirmi – di Subsonica, Afterhours e Carmen Consoli. Ora invece,  raccontati attraverso tre opere…

E.: Personae, 140×200, olio su tela, 2012.

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Inserita in uno spazio privato che mantiene un ambivalente valore di rifugio e di gabbia, la donna rappresentata è una figura cosciente della propria fisicità ma distante e protetta da tutto ciò che vi è all’esterno. Il volto, nascosto, sottolinea proprio l’impossibilità di qualsiasi dialogo. Nella serie Personae è la relazione tra indumento e figura ad essere la tematica principale. Nel simbolismo archetipo gli indumenti rappresentano la “Persona”, ossia la prima visione che gli altri hanno di noi, la maschera che identifica l’immagine sociale che viene presentata al mondo. Ecco perché, in questa tela, la figura è sovrastata e schiacciata ma allo stesso tempo piacevolmente protetta dal tessuto, ossia dall’aspetto esteriore esibito

E.: Scrittura Privata, 100×140, pennarello su tela, 2014.

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Per la serie “Scrittura Privata” la tecnica utilizzata è la china o il pennarello su tela o carta. Ho rappresentato tessuti decorati  e le pieghe di qualche abito, con l’intento di sottolineare l’aspetto manuale dell’esecuzione. Ma di questa manualità non ho voluto soltanto recuperare gli aspetti ripetitivi e artigianali delle pratiche spesso proprie del mondo femminile, quanto soprattutto la temporalità.  Il tempo dell’esecuzione e’ anche il tempo della riflessione, del dialogo con se  stessi, dell’intimità. Questi miei lavori sono una sorta di scrittura, un tentativo di disegnare il tempo. Lo stesso tempo dilatato che rappresento nei quadri figurativi qui viene tradotto da  gesto ripetitivo e minuzioso, che giorno dopo giorno va a creare la composizione .

E.: Limine (composizione) olio pannello telato, dimensioni variabile, 2015

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La serie “Limine” rappresenta un’ indagine riguardo il concetto di “soglia”, inteso come segno di confine, come varco da uno stato ad un altro.  Ho voluto, perciò, prendere in esame  diversi elementi evocativi che rimandano ad una separazione o comunione tra due ambiti distinti tra loro, non solo come identificazione di uno spazio fisico ma soprattutto come passaggio tra due livelli: tra il visibile e quanto sta al di là dell’immediatamente osservabile, tra il materiale e lo spirituale. Ecco perché ho spostato la mia attenzione su tappeti, merletti, veli, scale ecc..Le scale sono palesemente  graduali accessi ad un altrove. I tappeti, oltre alla funzione ornamentale, delimitano uno spazio che diviene simbolicamente luogo di preghiera. E il merletto, attraverso la sua esecuzione ripetitiva e rituale, diviene anch’esso  mezzo per il raccoglimento e la meditazione. Il velo, poi,  il simbolo della piena concentrazione su di sé, dietro ad esso la figura appartiene tutta a se stessa, trattenuta e potente e, nel giusto modo, distante e protetta.

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Sursum corda – 140×100 – olio su tela – 2014

G.: Un o una artista che non ti ha mai emozionato:

E.: Renoir, con tutto il rispetto, ma non mi ha mai emozionata

G.: In quale altro ambito sfoderi la tua creatività?

E.: Progetto disegni preparatori per i merletti di Burano

G.: Work in progress e progetti per il futuro:

E.:  Parteciperò ad un progetto speciale all’interno di  Milano Affordable Art Fair in collaborazione con CD arts & Literature Consulting.

G.: Il tuo motto in una citazione che ti sta a cuore

E.: Corri e lascia correre, ogni tanto fermati e respira!

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Per approfondire: www.elisa-rossi.com

Facebook:  www.facebook.com/ElisaRossiArtist/

 

 

Per Voce Creativa: Intervista a Francesca Lolli

“PER VOCE CREATIVA” è un ciclo di interviste riservate – e dedicate – alle donne del panorama artistico italiano contemporaneo. Per questa occasione Giovanna Lacedra incontra Francesca Lolli (Perugia, 1976):

Attrice e scenografa, dopo aver frequentato l’Accademia di Belle Arti di Perugia, Francesca sceglie come proprio linguaggio il video e la performance. È il suo corpo a farsi narrazione. A volte solo, a volte coadiuvato dalla presenza di altri attori. E come lei stessa suggerisce, a spingerla verso l’azione comportamentale o la rielaborazione metaforica del video è da sempre una certa “urgenza”. L’urgenza di dire, di sottolineare, di gridare qualcosa. Qualcosa che ci  riguarda tutti, che non esclude nessuno e che quindi non necessariamente affiora dall’autobiografia. Ma che è, anzì, sempre più spesso piaga del sociale, ferita pregiudiziale. Divario tra ciò che per qualcuno è normale e ciò che non lo è. 

Francesca Lolli si racconta per voi. Questa è la sua Voce Creativa…

G.: Chi sei tu? La donna, l’animale, l’artista…

F.: Ci sono momenti in cui mi sento tutto e in tutte le cose, senza forma, pronta ad accogliere e diventare tutte le forme del mondo, ed altre in cui semplicemente non sono e non voglio essere.

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 G.: E se non fossi un’artista?

 F.: Fino a poco tempo fa non amavo definirmi artista. Ho sempre trovato molto pretenziose e presuntuose le persone che si definiscono così. Poi ho iniziato a capire che noi tutti abbiamo bisogno di definizioni, bisogno di catalogare esperienze, persone e più in generale tutto quello che ci circonda. Definire ci fa sentire comodi.

 G.: Perché lo fai?

 F.: Lo faccio solo quando sento un’esigenza, una spinta che si concretizza.

 G.: Perché il corpo?

 F.: Perché è l’estensione più vicina (anche se spesso scomoda) al pensiero, perché tutti lo possediamo, ne abbiamo più o meno coscienza, perché è uno strumento universale ed è quello a me (noi) più naturale.

 G.: Quando il tuo corpo è diventato performante; quando la performance è diventata il tuo linguaggio?

 F.: A posteriori posso affermare che lo è sempre stato, ho infatti iniziato a sperimentare e ricercare con il teatro.

Backstage video performance 'Duty of Beauty'_MUA Giulia Riccardizi_pic Massimo Palmieri_2014

 G.: Quale credi sia il compito di una donna-artista, oggi?

 F.: Posso dire quale sia, secondo me, il compito di un artista oggi: quello di parlare del presente. Che sia una donna a farlo è una questione di nascita. Io sono nata donna, mi sento donna e inevitabilmente quello che esce da me è visto, vissuto, mangiato e vomitato da una donna. Non posso e non voglio prescindere da questo ma è solo il punto inevitabile di partenza. La mia ricerca non è a priori una ‘questione di genere’.

G.: Quali sono le tematiche della tua ricerca e quanto c’è di autobiografico?

 F.: I temi della mia ricerca sono sempre legati al qui e ora, non riesco a slegarmi dal momento storico in cui vivo, è anche difficile dire quanto ci sia di autobiografico nei miei lavori, sicuramente tanto, ma questo per il semplice fatto di essere io (e di conseguenza la mia vita, le mie sensazioni rispetto ad essa) il mezzo dal quale esce e prende vita un mio lavoro.

G.: Come nasce una tua azione performativa?

 F.: Nasce da una necessità fortemente legata al momento. A volte le necessità non si concretizzano in azioni.

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 G.: E come nasce un tuo video?

 F.: Nello stesso modo, cambia solo il mezzo espressivo.

G.: Ad ispirarti, influenzarti, illuminarti ci sono o ci sono state letture particolari?

 F.: Non sempre, a volte si tratta di un suono, un ricordo o un’immagine. Di getto direi che ‘Le 10 strategie di manipolazione dei mass media’ di Chomsky sono state di grande ispirazione per creare alcune delle mie performance (vedi ‘Fino a qui tutto bene’).

 G.: Che musica ascolti quando hai le mani in pasta al tuo lavoro?

 F.: Lavorando spesso con i software di montaggio,.nessuna.

 G.: Scegli 3 delle tue performance per raccontarmi il tuo lavoro…

F.: 1- Fino a qui tutto bene, 2014

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La vita quotidiana è a nostra insaputa sicuramente regolata dai mass media; le informazioni, attraverso il filtro del linguaggio giornalistico, ci arrivano già classificate e ordinate secondo una scala d’importanza prestabilita. Basti pensare alla prima pagina dei quotidiani e alla rilevanza di taluni titoli rispetto ad altri, coadiuvata dall’utilizzo di font particolari o sottolineature strategiche. Ciò che al lettore medio è dato fare è sorbire passivamente le notizie sobbarcandosene il peso emotivo che  risulta assai più rilevante e centrale della loro analisi critica. Ed è proprio ciò che la performance “Fino a qui tutto bene” intende sottolineare; le informazioni che ci circondano ci pesano addosso come mattoni che non riusciamo a lasciare a terra, siamo costantemente bombardati da notizie di cui probabilmente potremmo fare a meno, ma che l’abile sistema mediatico ci propone come “fatti da sapere”. Attraverso la durata nel tempo e la fatica fisica cerco di palesare metaforicamente la spossatezza mentale, il progressivo affaticamento emotivo che deriva dal trascinarsi dietro costantemente i “mattoni dell’informazione”.

 F.: 2- Non riesco a dare forma alle cose, 2015 (Francesca Lolli e Filippo Ciccioli)

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La performance “Non riesco a dare forma alle cose” rappresenta una vetta fuori controllo, unita all’esito del fato, su cui accadono le più insolite vicende, come l’incontro tra la memoria del proprio essere e della propria sostanza con le sembianze di un striscia di passato, fatto di territori e strumenti desolati e, a volte, isolati a cui, ad un certo punto della carriera artistica e della vita, si sente l’intima esigenza di concedere nuovi significati, abbandonando gli involucri della forma, attraverso il meccanismo del contrario che prevede la tensione verso un ordinato incastro nel disordine; una magia che volge alla ricerca di un rinnovato assetto della mente, in cui non ci sono più regole, imposizioni, costrizioni, pregiudizi, diffidenze, convenzioni, barriere. Francesca Lolli si ferma dinanzi a se stessa e sceglie di mostrarsi al centro della scena, osservata dal pubblico del Festival d’arte contemporanea Estrazione/Astrazione; si lega e si reprime accanto al corpo di Filippo Ciccioli, seduto con l’anima che si contrae in una musica sempre varia, diversa, che si adatta al moto morboso, tormentato, opprimente della performer; il chitarrista è il compagno d’avventura che, in musica, si aggrappa al telaio della storia artistica di lei e poi si perde nel contrario di quella violenza, come ad amare e riposare … avvolto dall’idea di una violata libertà del sentire; questo gioco degli opposti, appare come un esorcismo contro le ferite ed i vincoli endogeni ed esogeni della vita. Quando l’arte appartiene all’aria che respiri, alla cura per i luoghi che calpesti … corpo e anima … materia e musica … la donna e l’uomo, i sorrisi e le lacrime … il bianco ed il nero dell’esistenza … avvolgono ed, al contempo, liberano dalle pene più cupe, come a sentirsi più leggeri, in un bisogno maniacale di superare i limiti, usando l’antidoto di affrontarli nel profondo, fino alle intimità. L’idea dell’estrazione dalla propria memoria, come dal luogo e dalla luce emanata dalle pietre quasi d’oro del Quartiere Angeli di Caltanissetta, hanno ispirato una performance artistica capace di raccogliere le emozioni più pure, quelli dei bambini, fino all’esaltazione salata del sentire pulsante dell’arte. Quando dobbiamo ritrovare coraggio per riscriverci sotto i riflessi di un cielo nuovo, di un sole nuovo … quando sentiamo odore di semplice primordialità nei luoghi, nei valori e negli occhi di tutto ciò che ci circonda, capita di sentire voglia di iniziare a fare passi indietro per estrarre dal nocciolo duro della propria umanità scalpitante, e poi ricominciare con una novella energia. Gli artisti utilizzano numerosi e datati elementi espressivi propri con l’intento, quasi per mistico destino, di dar loro un nuovo significato; i due ricercano la forma nelle sostanze delle loro arti che, per la prima volta, sentono di far dialogare. E’ come un punto e a capo per ricapitolare se stessi, per una volta intimamente in coppia, dinanzi agli occhi di una memoria storica arabo – normanna. Francesca Lolli e Filippo Ciccioli vanno alla ricerca di un’esperienza, come di una sperimentazione e la ritrovano a Caltanissetta. Il dono è un’epifania dell’essere fatta di musica, intese, compensazioni, costrizioni, vincoli e speranze trasparenti, scritte su fogli bianchi … che sia un augurio per riempirli di scarabocchi fatti di palpiti e trascendenze! Un percorso che inizia dal packaging della performer … dall’impacchettare se stessa, un atto che continua e si ripete per tutta la performance con l’inclusione continua ed ossessiva di lui che, lentamente, distorce le braccia, il collo, la testa, le gambe… e poi la musica, che va ben oltre quella scultura performativa costituita dalla loro materia, improvvisamente vivida, dinanzi agli occhi della platea come nelle loro anime, ormai completamente astratte, finalmente sulla vetta del nirvana, al culmine del sentire … quello della libertà oltre i limiti che, forse, è giusto concretamente esorcizzare per poi respirare aria nuova, quella di una vera catarsi … un rito. L’immagine che concede spazio alla sola arte, è quella occlusione personale che, volgendo lo sguardo verso l’alterità di lui che dondola … apparentemente libero … a ritmo d’acida musica elettronica, si compensa nei legami, come per dare forma a loro stessi, partendo da lì … fino al resto del sentire. La sostanza di “Non so dare forma alle cose” si è rivelata con le sembianze di un esperimento, trasformatosi in una “ninna nanna noir” (Annarita Borrelli)

 F.: 3 – Ninna Nanna Salata, 2013 (audio artist Vittorio M. Bianchi)

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“La performance riprende un modello già proposto dagli artisti nella loro ultima collaborazione: uno spazio sonoro ideato da Vittorio M. Bianchi ospita il corpo di Francesca Lolli. Cambia il tema, prima legato alla formazione di identità da corpi neutri ( Io non sono qui, 2013), ora diventa l’identità di genere, la sua classificazione nell’ordine sociale, l’impossibilità di allontanarsene, quella traccia per natura indelebile.

Un filo rosso viene utilizzato da Francesca Lolli come simbolo dell’identità femminile: un rimando fisico e culturale ai riti di passaggio legati all’entrata nella pubertà per mezzo del ciclo mestruale, un legame invece iconografico alle tradizionali narrazioni sul destino luoghi di tessitori, fili e tagli improvvisi.

Per sfondo risuona l’audio di Vittorio M. Bianchi che racconta dell’infanzia e la sua neutralità solo apparente, una composizione di suoni che stimolano i ricordi sul tempo della nostra vita”. (Caterina Molteni)

 G.: La performance o il video di un altro artista che più ti commuove?

 F.: “Think of me sometimes”, di Ruben Montini e Alexander Pohnert. Un’azione semplice di una potenza straordinaria.

G.: La performance o il video di un altro artista che avresti voluto realizzare tu?

 F.: “Think of me sometimes”

 G.: Una performance che non ti ha mai emozionato:

 F.: “The artist is present”: mi spiace, non riesce proprio ad emozionarmi!

 G.: In quale altro ambito sfoderi la tua creatività?

 F.: Ti accorgi della creatività quando credi di averla persa, soprattutto dopo un lavoro intenso. Allora ti senti attraversata da una grande ambivalenza: da una parte speri di essere di nuovo invasa dalla sensazione che si prova quando si crea qualcosa e dall’altra quasi ti senti graziata dal pensiero di non essere più capace di provare quel tumulto.

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 G.: Work in progress e progetti per il futuro:

 F.: Una nuova video performance con mia madre. sto cercando da anni ed in tutti i modi di convincerla.

 G.: Il tuo motto in una citazione che ti sta a cuore

 F.: “La vita è colpa dell’arte”, fantastica frase di Pierre Restany che porto sempre con me incisa sul mio avambraccio destro.

Per approfondire:

vimeo.com/francescalolli

https://vimeo.com/francescalolli

 

 

 

https://vimeo.com/francescalolli